viernes, 19 de septiembre de 2008
cine nordico
CINE NÓRDICO
CINE DANÉS
Ole Olsen de Dinamarca, fue el hombre que llevó el cine a los países del norte desde los primeros años de su existencia. En 1906, Olsen creó la sociedad Nordisk con la intención de hacer películas danesas con actores locales que tendrían aún más éxito que las películas del resto de Europa. Esta sociedad existe y funciona hasta nuestros días.
Sin embargo, no se debe olvidar que, como en la mayoría de los países europeos, el cine había llegado muy rápido (en este caso en 1898) a Dinamarca y también se dedicaron a filmar actualidades y/o documentales. Es así que en el primer film danés se puede ver a la reina Alejandra de Inglaterra, al zar Nicolás II y al rey Jorge de Grecia.
Olsen deseaba que su primera película fuese una “sensación” por lo cual contrató al actor más famoso de la época (Viggo Larsen) para actuar en el film dramático llamado Una cacería de leones en la isla de Eleore que causó la más grande de las impresiones ya que contó con la presencia de numerosos leones, lo cual produjo el efecto deseado ya que se hicieron centenares de copias de la película, cosa fabulosa en esa época.
Entre los éxitos de Olsen encontramos:
Matrimonio bajo terror
Los cuatro diablos
La favorita del Mahradjah
Le hicieron competencia:
La Dansk Biograph con el director A.W. Sendberg, entre sus películas más conocidas están:
Nuestro amigo común
Grandes esperanzas
Davis Copperfield (adaptación de la célebre obra)
Los cuatro diablos (nueva versión de la novela, favorita de los daneses)
Carl Theodore DREYER, periodista y crítico,Dreyer fue contratado por Olsen para traducir los subtítulos de sus películas para enviarlas al extranjero. En 1920, por fin pudo filmar su primera película: El presidente del jurado. Después de su éxito inicial, se impuso ante la crítica internacional con sus películas:
Entre sus películas más conocidas se encuentran:
El cuarto matrimonio de Dama Margarita, una jocosa historia sobre la costumbre existente de obligar al nuevo pastor a casarse con la viuda de su predecesor si ésta lo sobrevivía.
El amo de la casa es una película cuyo guión fue escrito por Dreyer mismo, con una historia sobre un marido déspota que cambia radicalmente.
Dreyer se fue después a París donde su fama se acrecentó con la filmación de su famosa Juana de Arco.
CINE SUECO
Ya en 1900 se había creado la primera productora de films de Suecia “Svenk Film Industri”. Los productores Charles Magnusson y Ole Olsen se encargaron de animar la industria naciente en ese país y en 1916 Magnusson contrató a dos jóvenes que se convertirían en los grandes directores del cine sueco mudo: Victor Sjöström y Mauritz Stiller.
Desde un principio, el cine nórdico, y sueco en particular fue marcado por su Literatura, por su Folklore y por la Naturaleza que domina los países nórdicos.
Victor Sjöström tiene entre sus primeras películas varias basadas en obras nacionales suecas:
Terje Vigen (poema de Henrik Ibsen)
Hija de la turba (novela de Selma Lagerlöf)
La película que lo reveló al público fue Los proscritos (basada en la novela del islandés Johann Sigurjonsson), un drama de amor cuyos protagonistas prefieren la muerte a la separación. Luego, El carretero de la muerte causó numerosos comentarios y discusiones y sobre todo mucha admiración ya que Sjöström supo introducir visualmente elementos sobrenaturales mediante sobreimpresiones. La última película que podemos incluir en esta lista de éxitos es La carreta fantasma, considerada como la obra máxima de Sjöström y como una de las obras maestras del cine universal en la época de cine mudo.
Mauritz Stiller empezó creando films de comedia y ligeros. Pronto pasó a otro tipo de obras entre las cuales se puede mencionar a tres películas inspiradas en la obra de la escritora Sela Lagerlöf: El tesoro del Arno, una terrible historia donde una joven se enamora del asesino de su hermana; muchos consideran esta película como la mejor obra de Stiller; La vieja mansión, trata de la locura de un pobre pastor de renos; finalmente se tiene La leyenda de Gösta Berling, historia de un pastor echado a perder por el alcohol quien viaja por todas partes por lo cual se tiene una excelente pintura de las costumbres suecas.
Mauritz Stiller emigró a E.E.U.U. como muchos de sus compatriotas y otros europeos.
CINE ALEMAN
En 1906 se filma la primera película alemana: Hamlet, es este tiempo las películas no tenían mayor personalidad y reproducían éxitos literarios universales.
La 1ª Guerra Mundial frenó toda la producción cinematográfica alemana. Después de la guerra, la producción fue más bien estereotipada, presentando generalmente a jóvenes héroes, heridos en la guerra, condecorados por la nación alemana, generalmente además, estos héroes se casaban con la enfermera que los atendía.
El cine como propaganda de estado
Después del armisticio, intervino el ejército y los industriales alemanes decidieron administrar una inyección industrial al país; para ello designan un rol para el cine alemán: ser el vehículo de propaganda nacional.
Las cuatro D’s (Deutsche Bank; Diskonto Bank; Düsseldorfer Bank y Dresdner Bank) asumen la dirección ejecutiva de la producción cinematográfica alemana de la post- primera guerra mundial.
En 1918 se crea la UFA (Universum Film Aktiengesershaft) y se compran los cines (los UFA Palast) para dominar todo el circuito de distribución.
Es en esta época que aparecen slogans del tipo “ganar la paz mediante el cine”.
Una de las estrategias para lograr los fines establecidos fue inventar un “nuevo” tipo de films “históricos” donde la clave era acentuar los prejuicios en contra de los países vecinos, por ejemplo en Madame du Barry (amante de Luis XV) se mostraba la corrupción y perdición de la sociedad francesa, en Ana Bolena la vida disipada de Enrique VIII de Inglaterra, incluso se llegó a atacar por este medio a Egipto con La mujer del Faraón. Lo impresionante es el cuidado y el talento que se invirtió en envilecer a otras nacionalidades.
La sociedad alemana de la época no recibió estas actitudes sin reaccionar, hubieron grandes polémicas internas
Expresionismo alemán
Hacia finales de la segunda década del siglo XX surgió la corriente que definiría el arte alemán de la entreguerra: el expresionismo, caracterizado por una interpretación afectiva y subjetiva de la realidad. Esta corriente es capital en la producción que se da en los años siguientes.
Las características principales de esta corriente son:
- el uso del claro / oscuro
- la construcción de escenografías que reflejen la subjetividad
- la introducción de temas como el horror, la muerte
Entre los representantes más importantes de esta corriente encontramos a:
Robert Weine:
1919 El gabinete del Dr. Caligari Se trata de una historia cuyo héroe sonámbulo parece ser el causante de varias muertes y el final es sorprendente.
Con esta película se inicia la etapa más conocida y admirada del cine mudo alemán: el expresionismo alemán. Los elementos que se introducen son los de horror, terror, suspenso. La muerte viene a ser l a estrella más importante.
1924: Las manos de Orlac
Lupu Pick:
La riel; Los desheredados; La noche de año nuevo.
El naturalismo se desarrollo presentando otras características como ser el uso de la cámara subjetiva.
Friedrich Murnau:
Nosferatu el vampiro; El último hombre.
El trabajo de Murnau consolidó las características del expresionismo alemán:
• escenografía subjetiva
• temas (horror, muerte, locura)
• juego con claro / oscuro
Fritz Lang:
1926: Metrópolis
El cine alemán evolucionó hacia la escuela realista, sobre todo después de la segunda guerra mundial, mostrando aspectos terribles y espantosos de la vida durante y después de la guerra.
El último hombre de Murnau es un excelente ejemplo de esta evolución.
CINE ITALIANO
Ya en 1898, Italia contaba con su primera sala de cine (la sala de madame Lelieur), lo cual demuestra el interés que existió por este fenómeno desde un principio.
En 1900, se lleva a cabo la primera realización italiana con la película “Pascua: la pasión de Jesús”, dirigida por Luigi Topi y con los actores Fremio y la Belle Orero.
Estos nombres (de los actores) y su parecido con los nombres de famosos cantantes de ópera de esa época son la señal de que se quiso aprovechar de la fama y la popularidad de las estrellas de la ópera (Fremio se parece a Fregolo y Belle Orero a Carolina Otero)
En poco tiempo se crearon casas productoras en toda Italia en: Roma, Torino, Milán y Nápoles.
En 1905 empieza la tradición italiana de los films históricos con el trabajo de Filoteo Alberini. Entre otras, hizo las siguientes películas:
La vida de Juana de Arco
El saqueo de Roma
Marco Visconti
Anita Garibaldi
Los 3 mosqueteros
La batalla de Legnano
Hamlet
Romeo y Julieta
Desde un principio, el cine italiano se alimentó de la ópera, como ocurrió con el teatro y el cine en Francia.
Reconstituciones y grandes producciones
Hacia 1910 empezó Arturo Ambrosio empezó a producir films que llegarían a ser lo más representativo del cine italiano, películas mucho más ambiciosas y grandes de lo que se había hecho hasta ese momento, la primera de estas películas fue
Los últimos días de Pompeya
Este film constituyó un suceso y un éxito de taquilla, por lo cual, y dentro del mismo estilo, se produjeron, en los años siguientes, las siguientes películas:
¿Quo Vadis? (1912) de Enrico Guazzoni (basada en el libro de Henri Sienkeiwiez)
Christus
En 1914 se filmó la famosísima “Cabiria” de Piero Fosco, que es la película más conocida de las películas de gran producción, contó con miles de extras y ciertamente tuvo gran influencia sobre D. W. Griffith y su manera de concebir las películas.
1923 Messalina gran espectáculo con miles de extras
Las nuevas estrellas. El nuevo fenómeno cinematográfico dio origen a un nuevo tipo de “estrella” en Italia. Los actores fueron tan admirados que en algunos casos incluso se llegó a olvidar el nombre de actor para recordar sólo el nombre del personaje que lo hizo famoso. En algunos casos, incluso se llegó a creer que la ficción era realidad y la gente tomaba las historias cinematográficas como datos históricos ( ese es el caso del personaje “Maciste”, el nombre del actor ha sido olvidado y la gente en Italia creía que Maciste había existido en la realidad).
Por otra parte, los actores y actrices populares fueron adquiriendo hábitos caprichosos por probar constantemente su importancia, lo hacían también para probar que podían más que sus rivales de las otras casas productoras.
Tal fue el caso de Francesca Bertoni y su rival Hesperia. Una no podía filmar algo sin que la otra no quisiese hacer lo mismo para probar que era igual de buena (ambas tuvieron que filmar su propia versión de “La dama de las camelias”).
El episodio más conocido de estas rivalidades y caprichos se conoce con el nombre de “la guerra de las barbas”. Los dos actores más populares de ese momento, Febo Mari y Alberto Capozzi no se perdían detalle pues tenían que probar constantemente que uno era mejor que el otro. Febo Mari no aceptó utilizar barba en su versión de “Atila, castigo de Dios” por lo cual y de inmediato, Alberto Capozzi se negó a llevar barba en su rol de San Pablo en la película que filmaba en ese momento.
1915, con la guerra llegó la primera gran crisis del cine italiano, no sólo por la natural disminución en la producción a consecuencia de la guerra sino también por la comparación que se hizo del cine italiano con el cine americano, comparación que se hizo posible por la llegada del ejército americano a Italia.
1923 a consecuencia de la crisis, la quiebra de la producción italiana era casi total, en esa época se produjo una emigración masiva hacia los E.E.U.U., por lo cual el estado decide intervenir y tomar medidas en apoyo a la producción nacional.
1926 al llegar al poder el fascismo se concibe el concepto de cuota de pantalla a favor de la producción nacional, el senador Corrado propuso un 10% de cuota de pantalla anual; al principio nadie hizo caso de esta ley.
1928 el Duce (Mussolini), al ver los efectos de la llegada del cine parlante, sube la cuota de pantalla a 25% y hace obedecer la ley. También crea el Instituto Luce (dependiente del ministerio de propaganda). El Instituto Luce logra ser bastante independiente del poder político tratando de no ser instrumento político del fascismo italiano de la época e instruye a una nueva generación en el arte de la cinematografía.
CINE RUSO
Al estudiar el cine ruso, no se puede dejar de notar un cierto atraso en el arranque del cine ruso debido a la Revolución rusa.
Es cierto que el cinematógrafo había llegado a la corte de los zares apenas un año después del estreno en París, pero lo que se filmó fueron las clásicas escenas de paseos públicos y personajes de la sociedad.
Después de la revolución, el cine tomó su lugar entre artistas e intelectuales:
1919 se instituyó el Instituto Cinematográfico y jóvenes intelectuales rusos emitieron un manifiesto “Por un cine no actuado”
1922 Lenin demuestra su interés por el cine al crear un organismo central a cargo de la industria cinematográfica: SOVKINO
Entre los años 1920 y 1925, el cine ruso se dedicó a un cine de propaganda interna.
Los “cuatro grandes” del cine ruso:
1. Dziga Vertov
Padre Del cine documental, pregona un “cine ojo” (kino glaz) que sea un “cine verdad” (kino pravda). Su ideal era el de fijar la realidad sin intervenir en ella.
Su película más conocida es:
El hombre de la cámara
2. León Kulechov
Kulechov realizó un gran trabajo (sobre todo junto a Pudovkin) en el famoso “laboratorio” cinematográfico que Lenin montara para estos cuatro jóvenes cineastas. Estudió y comprobó el fenómeno de asociación que el humano hace inconscientemente entre una imagen y la que le sigue (relación de causa y efecto).
El fue el que llevó a cabo el célebre experimento con el entonces famosísimo actor de teatro Musjokin y las imágenes de un plato de sopa, un ataúd y una niña con su osito de peluche.
La película más conocida de Kulechov es:
Las aventuras extraordinarias de Mister West en el país de los bolcheviques
3. Weswolod Pudovkin
Pudovkin trabajó con Kulechov en el “laboratorio”, se interesó también en los otros aspectos de la creación cinematográfica: guión, escenografía, actuación.
Sus películas más conocidas son:
1926 La madre (apología de la madre rusa)
1937 La caída de San Petersburgo
4. Sergei Michael Eisenstein
Eisenstein se dedicó a estudiar con mucha profundidad las posibilidades que ofrecía la edición. A él se deben los principios básicos de la edición cinematográfica:
a) edición por similitud (de forma; de movimiento)
b) edición por oposición (de forma; de movimiento)
c) edición por falsa consecuencia
Eisenstein hizo muchos otros aportes al cine a medida que fue filmando muchas películas; entre las más importantes se encuentran:
1924 Huelga (donde introdujo el concepto del héroe colectivo)
1925 El acorazado del Potemkin
1927 Octubre
1928 La línea general
Al final de su vida Eisenstein fue declarado persona no grata en Rusia y se fue a Méjico donde dejó una obra inconclusa: Viva Zapata.
CINE NORTEAMERICANO
Después de 20 años de retraso debido al monopolio de Edison, recién se pudo ver claro en el panorama cinematográfico norteamericano.
Sin embargo, ya existía el antecedente – importante aporte de William S. Porter con su película The Great Train Robbery (1903) – prototipo del western y también de las películas de gangsters – desdoblamiento de la acción.
“Tres grandes” del cine norteamericano:
David Wark Priffith:
Primera película Dolly’s Adventures (1908)
Busca trabajar con alguien que entienda que el cine no es teatro y así logra trabajar con Billy Bitzer, su camarógrafo y juntos hacen mucho dinero para la Biograph.
Griffith es quien experimenta con primeros plano, una edición más trabajada,, el uso de la luz artificial y la supresión, en gran medida de las mímicas exageradas de los actores. el uso de la edición alternada (o paralela) aparece en su película La villa solitaria.
El nacimiento de una nación se estrena en 1915 (inspiración después de ver “Quo vadis” de Guazzoni en 1913).
Intolerancia se llamaba primero “Love’s Struggle Through The Ages” esta película empezó con cuatro historias y terminó con tres – grandes problemas.
1918 – La flor de lis deshecha – amor entre una blanco y un chino – recepción por lo menos discreta. Menor audiencia – exilio.
Thomas Harper Ince:
1914 – 1918 la serie de peliculas de Rio Jim
Ince fue el verdadero creador del género western norteamericano.
También aportó con films de propaganda pro aliados: Viva Francia y En alguna parte en Francia).
Cecil B. De Mille:
Newyorkino tentado para ir a California a ser cineasta, filmó en 1913 la película The Squawman ( El marido de la india)
1915: unos de sus primeros éxitos fue: The Forfeiture (The Cheat – El engaño)
De Mille es quien por primera vez que usa la elipsis de manera sistemática – la gente no comprendía muy bien los saltos temporales o espaciales.
CINE DANÉS
Ole Olsen de Dinamarca, fue el hombre que llevó el cine a los países del norte desde los primeros años de su existencia. En 1906, Olsen creó la sociedad Nordisk con la intención de hacer películas danesas con actores locales que tendrían aún más éxito que las películas del resto de Europa. Esta sociedad existe y funciona hasta nuestros días.
Sin embargo, no se debe olvidar que, como en la mayoría de los países europeos, el cine había llegado muy rápido (en este caso en 1898) a Dinamarca y también se dedicaron a filmar actualidades y/o documentales. Es así que en el primer film danés se puede ver a la reina Alejandra de Inglaterra, al zar Nicolás II y al rey Jorge de Grecia.
Olsen deseaba que su primera película fuese una “sensación” por lo cual contrató al actor más famoso de la época (Viggo Larsen) para actuar en el film dramático llamado Una cacería de leones en la isla de Eleore que causó la más grande de las impresiones ya que contó con la presencia de numerosos leones, lo cual produjo el efecto deseado ya que se hicieron centenares de copias de la película, cosa fabulosa en esa época.
Entre los éxitos de Olsen encontramos:
Matrimonio bajo terror
Los cuatro diablos
La favorita del Mahradjah
Le hicieron competencia:
La Dansk Biograph con el director A.W. Sendberg, entre sus películas más conocidas están:
Nuestro amigo común
Grandes esperanzas
Davis Copperfield (adaptación de la célebre obra)
Los cuatro diablos (nueva versión de la novela, favorita de los daneses)
Carl Theodore DREYER, periodista y crítico,Dreyer fue contratado por Olsen para traducir los subtítulos de sus películas para enviarlas al extranjero. En 1920, por fin pudo filmar su primera película: El presidente del jurado. Después de su éxito inicial, se impuso ante la crítica internacional con sus películas:
Entre sus películas más conocidas se encuentran:
El cuarto matrimonio de Dama Margarita, una jocosa historia sobre la costumbre existente de obligar al nuevo pastor a casarse con la viuda de su predecesor si ésta lo sobrevivía.
El amo de la casa es una película cuyo guión fue escrito por Dreyer mismo, con una historia sobre un marido déspota que cambia radicalmente.
Dreyer se fue después a París donde su fama se acrecentó con la filmación de su famosa Juana de Arco.
CINE SUECO
Ya en 1900 se había creado la primera productora de films de Suecia “Svenk Film Industri”. Los productores Charles Magnusson y Ole Olsen se encargaron de animar la industria naciente en ese país y en 1916 Magnusson contrató a dos jóvenes que se convertirían en los grandes directores del cine sueco mudo: Victor Sjöström y Mauritz Stiller.
Desde un principio, el cine nórdico, y sueco en particular fue marcado por su Literatura, por su Folklore y por la Naturaleza que domina los países nórdicos.
Victor Sjöström tiene entre sus primeras películas varias basadas en obras nacionales suecas:
Terje Vigen (poema de Henrik Ibsen)
Hija de la turba (novela de Selma Lagerlöf)
La película que lo reveló al público fue Los proscritos (basada en la novela del islandés Johann Sigurjonsson), un drama de amor cuyos protagonistas prefieren la muerte a la separación. Luego, El carretero de la muerte causó numerosos comentarios y discusiones y sobre todo mucha admiración ya que Sjöström supo introducir visualmente elementos sobrenaturales mediante sobreimpresiones. La última película que podemos incluir en esta lista de éxitos es La carreta fantasma, considerada como la obra máxima de Sjöström y como una de las obras maestras del cine universal en la época de cine mudo.
Mauritz Stiller empezó creando films de comedia y ligeros. Pronto pasó a otro tipo de obras entre las cuales se puede mencionar a tres películas inspiradas en la obra de la escritora Sela Lagerlöf: El tesoro del Arno, una terrible historia donde una joven se enamora del asesino de su hermana; muchos consideran esta película como la mejor obra de Stiller; La vieja mansión, trata de la locura de un pobre pastor de renos; finalmente se tiene La leyenda de Gösta Berling, historia de un pastor echado a perder por el alcohol quien viaja por todas partes por lo cual se tiene una excelente pintura de las costumbres suecas.
Mauritz Stiller emigró a E.E.U.U. como muchos de sus compatriotas y otros europeos.
CINE ALEMAN
En 1906 se filma la primera película alemana: Hamlet, es este tiempo las películas no tenían mayor personalidad y reproducían éxitos literarios universales.
La 1ª Guerra Mundial frenó toda la producción cinematográfica alemana. Después de la guerra, la producción fue más bien estereotipada, presentando generalmente a jóvenes héroes, heridos en la guerra, condecorados por la nación alemana, generalmente además, estos héroes se casaban con la enfermera que los atendía.
El cine como propaganda de estado
Después del armisticio, intervino el ejército y los industriales alemanes decidieron administrar una inyección industrial al país; para ello designan un rol para el cine alemán: ser el vehículo de propaganda nacional.
Las cuatro D’s (Deutsche Bank; Diskonto Bank; Düsseldorfer Bank y Dresdner Bank) asumen la dirección ejecutiva de la producción cinematográfica alemana de la post- primera guerra mundial.
En 1918 se crea la UFA (Universum Film Aktiengesershaft) y se compran los cines (los UFA Palast) para dominar todo el circuito de distribución.
Es en esta época que aparecen slogans del tipo “ganar la paz mediante el cine”.
Una de las estrategias para lograr los fines establecidos fue inventar un “nuevo” tipo de films “históricos” donde la clave era acentuar los prejuicios en contra de los países vecinos, por ejemplo en Madame du Barry (amante de Luis XV) se mostraba la corrupción y perdición de la sociedad francesa, en Ana Bolena la vida disipada de Enrique VIII de Inglaterra, incluso se llegó a atacar por este medio a Egipto con La mujer del Faraón. Lo impresionante es el cuidado y el talento que se invirtió en envilecer a otras nacionalidades.
La sociedad alemana de la época no recibió estas actitudes sin reaccionar, hubieron grandes polémicas internas
Expresionismo alemán
Hacia finales de la segunda década del siglo XX surgió la corriente que definiría el arte alemán de la entreguerra: el expresionismo, caracterizado por una interpretación afectiva y subjetiva de la realidad. Esta corriente es capital en la producción que se da en los años siguientes.
Las características principales de esta corriente son:
- el uso del claro / oscuro
- la construcción de escenografías que reflejen la subjetividad
- la introducción de temas como el horror, la muerte
Entre los representantes más importantes de esta corriente encontramos a:
Robert Weine:
1919 El gabinete del Dr. Caligari Se trata de una historia cuyo héroe sonámbulo parece ser el causante de varias muertes y el final es sorprendente.
Con esta película se inicia la etapa más conocida y admirada del cine mudo alemán: el expresionismo alemán. Los elementos que se introducen son los de horror, terror, suspenso. La muerte viene a ser l a estrella más importante.
1924: Las manos de Orlac
Lupu Pick:
La riel; Los desheredados; La noche de año nuevo.
El naturalismo se desarrollo presentando otras características como ser el uso de la cámara subjetiva.
Friedrich Murnau:
Nosferatu el vampiro; El último hombre.
El trabajo de Murnau consolidó las características del expresionismo alemán:
• escenografía subjetiva
• temas (horror, muerte, locura)
• juego con claro / oscuro
Fritz Lang:
1926: Metrópolis
El cine alemán evolucionó hacia la escuela realista, sobre todo después de la segunda guerra mundial, mostrando aspectos terribles y espantosos de la vida durante y después de la guerra.
El último hombre de Murnau es un excelente ejemplo de esta evolución.
CINE ITALIANO
Ya en 1898, Italia contaba con su primera sala de cine (la sala de madame Lelieur), lo cual demuestra el interés que existió por este fenómeno desde un principio.
En 1900, se lleva a cabo la primera realización italiana con la película “Pascua: la pasión de Jesús”, dirigida por Luigi Topi y con los actores Fremio y la Belle Orero.
Estos nombres (de los actores) y su parecido con los nombres de famosos cantantes de ópera de esa época son la señal de que se quiso aprovechar de la fama y la popularidad de las estrellas de la ópera (Fremio se parece a Fregolo y Belle Orero a Carolina Otero)
En poco tiempo se crearon casas productoras en toda Italia en: Roma, Torino, Milán y Nápoles.
En 1905 empieza la tradición italiana de los films históricos con el trabajo de Filoteo Alberini. Entre otras, hizo las siguientes películas:
La vida de Juana de Arco
El saqueo de Roma
Marco Visconti
Anita Garibaldi
Los 3 mosqueteros
La batalla de Legnano
Hamlet
Romeo y Julieta
Desde un principio, el cine italiano se alimentó de la ópera, como ocurrió con el teatro y el cine en Francia.
Reconstituciones y grandes producciones
Hacia 1910 empezó Arturo Ambrosio empezó a producir films que llegarían a ser lo más representativo del cine italiano, películas mucho más ambiciosas y grandes de lo que se había hecho hasta ese momento, la primera de estas películas fue
Los últimos días de Pompeya
Este film constituyó un suceso y un éxito de taquilla, por lo cual, y dentro del mismo estilo, se produjeron, en los años siguientes, las siguientes películas:
¿Quo Vadis? (1912) de Enrico Guazzoni (basada en el libro de Henri Sienkeiwiez)
Christus
En 1914 se filmó la famosísima “Cabiria” de Piero Fosco, que es la película más conocida de las películas de gran producción, contó con miles de extras y ciertamente tuvo gran influencia sobre D. W. Griffith y su manera de concebir las películas.
1923 Messalina gran espectáculo con miles de extras
Las nuevas estrellas. El nuevo fenómeno cinematográfico dio origen a un nuevo tipo de “estrella” en Italia. Los actores fueron tan admirados que en algunos casos incluso se llegó a olvidar el nombre de actor para recordar sólo el nombre del personaje que lo hizo famoso. En algunos casos, incluso se llegó a creer que la ficción era realidad y la gente tomaba las historias cinematográficas como datos históricos ( ese es el caso del personaje “Maciste”, el nombre del actor ha sido olvidado y la gente en Italia creía que Maciste había existido en la realidad).
Por otra parte, los actores y actrices populares fueron adquiriendo hábitos caprichosos por probar constantemente su importancia, lo hacían también para probar que podían más que sus rivales de las otras casas productoras.
Tal fue el caso de Francesca Bertoni y su rival Hesperia. Una no podía filmar algo sin que la otra no quisiese hacer lo mismo para probar que era igual de buena (ambas tuvieron que filmar su propia versión de “La dama de las camelias”).
El episodio más conocido de estas rivalidades y caprichos se conoce con el nombre de “la guerra de las barbas”. Los dos actores más populares de ese momento, Febo Mari y Alberto Capozzi no se perdían detalle pues tenían que probar constantemente que uno era mejor que el otro. Febo Mari no aceptó utilizar barba en su versión de “Atila, castigo de Dios” por lo cual y de inmediato, Alberto Capozzi se negó a llevar barba en su rol de San Pablo en la película que filmaba en ese momento.
1915, con la guerra llegó la primera gran crisis del cine italiano, no sólo por la natural disminución en la producción a consecuencia de la guerra sino también por la comparación que se hizo del cine italiano con el cine americano, comparación que se hizo posible por la llegada del ejército americano a Italia.
1923 a consecuencia de la crisis, la quiebra de la producción italiana era casi total, en esa época se produjo una emigración masiva hacia los E.E.U.U., por lo cual el estado decide intervenir y tomar medidas en apoyo a la producción nacional.
1926 al llegar al poder el fascismo se concibe el concepto de cuota de pantalla a favor de la producción nacional, el senador Corrado propuso un 10% de cuota de pantalla anual; al principio nadie hizo caso de esta ley.
1928 el Duce (Mussolini), al ver los efectos de la llegada del cine parlante, sube la cuota de pantalla a 25% y hace obedecer la ley. También crea el Instituto Luce (dependiente del ministerio de propaganda). El Instituto Luce logra ser bastante independiente del poder político tratando de no ser instrumento político del fascismo italiano de la época e instruye a una nueva generación en el arte de la cinematografía.
CINE RUSO
Al estudiar el cine ruso, no se puede dejar de notar un cierto atraso en el arranque del cine ruso debido a la Revolución rusa.
Es cierto que el cinematógrafo había llegado a la corte de los zares apenas un año después del estreno en París, pero lo que se filmó fueron las clásicas escenas de paseos públicos y personajes de la sociedad.
Después de la revolución, el cine tomó su lugar entre artistas e intelectuales:
1919 se instituyó el Instituto Cinematográfico y jóvenes intelectuales rusos emitieron un manifiesto “Por un cine no actuado”
1922 Lenin demuestra su interés por el cine al crear un organismo central a cargo de la industria cinematográfica: SOVKINO
Entre los años 1920 y 1925, el cine ruso se dedicó a un cine de propaganda interna.
Los “cuatro grandes” del cine ruso:
1. Dziga Vertov
Padre Del cine documental, pregona un “cine ojo” (kino glaz) que sea un “cine verdad” (kino pravda). Su ideal era el de fijar la realidad sin intervenir en ella.
Su película más conocida es:
El hombre de la cámara
2. León Kulechov
Kulechov realizó un gran trabajo (sobre todo junto a Pudovkin) en el famoso “laboratorio” cinematográfico que Lenin montara para estos cuatro jóvenes cineastas. Estudió y comprobó el fenómeno de asociación que el humano hace inconscientemente entre una imagen y la que le sigue (relación de causa y efecto).
El fue el que llevó a cabo el célebre experimento con el entonces famosísimo actor de teatro Musjokin y las imágenes de un plato de sopa, un ataúd y una niña con su osito de peluche.
La película más conocida de Kulechov es:
Las aventuras extraordinarias de Mister West en el país de los bolcheviques
3. Weswolod Pudovkin
Pudovkin trabajó con Kulechov en el “laboratorio”, se interesó también en los otros aspectos de la creación cinematográfica: guión, escenografía, actuación.
Sus películas más conocidas son:
1926 La madre (apología de la madre rusa)
1937 La caída de San Petersburgo
4. Sergei Michael Eisenstein
Eisenstein se dedicó a estudiar con mucha profundidad las posibilidades que ofrecía la edición. A él se deben los principios básicos de la edición cinematográfica:
a) edición por similitud (de forma; de movimiento)
b) edición por oposición (de forma; de movimiento)
c) edición por falsa consecuencia
Eisenstein hizo muchos otros aportes al cine a medida que fue filmando muchas películas; entre las más importantes se encuentran:
1924 Huelga (donde introdujo el concepto del héroe colectivo)
1925 El acorazado del Potemkin
1927 Octubre
1928 La línea general
Al final de su vida Eisenstein fue declarado persona no grata en Rusia y se fue a Méjico donde dejó una obra inconclusa: Viva Zapata.
CINE NORTEAMERICANO
Después de 20 años de retraso debido al monopolio de Edison, recién se pudo ver claro en el panorama cinematográfico norteamericano.
Sin embargo, ya existía el antecedente – importante aporte de William S. Porter con su película The Great Train Robbery (1903) – prototipo del western y también de las películas de gangsters – desdoblamiento de la acción.
“Tres grandes” del cine norteamericano:
David Wark Priffith:
Primera película Dolly’s Adventures (1908)
Busca trabajar con alguien que entienda que el cine no es teatro y así logra trabajar con Billy Bitzer, su camarógrafo y juntos hacen mucho dinero para la Biograph.
Griffith es quien experimenta con primeros plano, una edición más trabajada,, el uso de la luz artificial y la supresión, en gran medida de las mímicas exageradas de los actores. el uso de la edición alternada (o paralela) aparece en su película La villa solitaria.
El nacimiento de una nación se estrena en 1915 (inspiración después de ver “Quo vadis” de Guazzoni en 1913).
Intolerancia se llamaba primero “Love’s Struggle Through The Ages” esta película empezó con cuatro historias y terminó con tres – grandes problemas.
1918 – La flor de lis deshecha – amor entre una blanco y un chino – recepción por lo menos discreta. Menor audiencia – exilio.
Thomas Harper Ince:
1914 – 1918 la serie de peliculas de Rio Jim
Ince fue el verdadero creador del género western norteamericano.
También aportó con films de propaganda pro aliados: Viva Francia y En alguna parte en Francia).
Cecil B. De Mille:
Newyorkino tentado para ir a California a ser cineasta, filmó en 1913 la película The Squawman ( El marido de la india)
1915: unos de sus primeros éxitos fue: The Forfeiture (The Cheat – El engaño)
De Mille es quien por primera vez que usa la elipsis de manera sistemática – la gente no comprendía muy bien los saltos temporales o espaciales.
cine frances
Inmediatamente se dirigió a la oficina del Director general (Luis Feuillade) y se hizo contratar para crear pequeños films cómicos. Cohl dibujaba en persona los films de corte humorístico, que registraba “imagen por imagen”. El 18 de agosto de 1908 se presentó, en el teatro del Gimnasio, el primer dibujo animado: Fantasmagoría, con su primer personaje tipo: Fantoche (abuelo de Mickey, Betty Boop y demás).
Cine francés hasta la 1ª guerra mundial
El cine francés tuvo la ventaja de ser el primero, lo que le permitió desarrollarse como industria antes que a los otros.
Hasta 1915 su industria se había desarrollado de varias formas.
Las grandes casas de producción como la Gaumont y la Pathé habían descubierto el filón de oro que constituían las películas en serie
La Gaumont tenía la serie Fantomas (1910)- historia de un malhechor y la serie Judex (1917) – historia de un justiciero.
La Pathé tenía a Max Linder y adaptaciones literarias (aunque le bastaba con Max Linder).
Se habían logrado además, varios avances legales: se fundó la “Sociedad cinematográfica de autores y gente de letras” (SCAGL – vigente hasta hoy) que se ocupaba de proteger los intereses de las personas que trabajaban en el oficio de hacer cine y firmó un convenio con la “Sociedad de autores y compositores dramáticos” (que se ocupaba de la gente que trabajaba en el teatro).
Gaumont y Pathé habían ampliado sus imperios al decidir construir sus propias salas de proyección (con lo que dominaban todo el circuito industrial), las ciudades y los pueblos comprobaban su estatus al poseer o no, una sala Pathé y otra sala Gaumont.
Hasta 1914, la industria francesa experimentó un éxito sin precedentes sobre todo porque producía más que nadie (90% de la producción mundial).
Al margen de este cine “industrial” surgieron grupos deseosos de crear de otras formas, por lo que surgen grupos que ahora se llaman
La vanguardia y el impresionismo francés
Movimiento de vanguardia – el impresionismo
Productores independientes deciden construir (o adaptar) sus propias salas cinematográficas, para no depender de la buena voluntad de Pathé o Gaumont.
Ven así la luz del día el Studio Urselines, el Studio du Vieux Colombier, luego el Studio 28 (dos siguen funcionando, el Urselines y el 28), donde sepresentaban al público films experimentales y de investigación que el público general no aceptaría.
Los fundadores fueron Luis Delluc (1er crítico de cine francés) y Germaine Dulac (una de las primeras cineastas francesas). Su primera obra fue La fiesta española (1919), historia simple sobre 2 hombres que aman a la misma mujer. Su particularidad es la de ser la primera película que posee un guión técnico – escrito – en el cual se puede comprobar el giro que daban estas producciones, dándole mayor importancia al aspecto técnico de la imagen.
Estos creadores también recibieron fuertes influencias de algunas películas extranjeras, lo que vino a s añadido a sus conocimientos previos. (En los estudios se proyectaban también películas extranjeras que difícilmente tenían cabida en los circuitos existentes.) Por ello, reconocen haber aprendido de: Cecil B. De Mille. El western de Thomas H. Ince, de Robert Weine y su Gabinete del Dr. Caligari.
Las obras más representativas son:
De Germaine Dulac:
La sonriente madame Beudet, historia de una mujer dulce y sonriente con un marido horrible al que soñaba matar - uso de la cámara rápida, lenta, deformaciones para expresar la subjetividad, psicología de esta mujer dominada y reprimida. Primeros ensayos surrealistas.
Luis Delluc:
Fiebre (1921), historia que ocurre en un bar de Marsella, recuerdos de los marineros y las chicas del lugar. Para Delluc, sólo el cine puede mostrar la psicología de la gente y sólo el cine puede hacer resurgir el pasado en el presente.
Riccioto Canudo(fundador de CASA – Club de Amigos del Séptimo Arte) plantea la cuestión sobre la legitimidad o no de llamar arte al cine, con un artículo suyo se desata la polémica sobre si llamar o no arte al cine (es el inventor de la expresión “el séptimo arte” también creó una décima musa que lo regiría)
El surrealismo en el cine francés
La vanguardia sostenía que el cine = una sinfonía musical. El grupo que llevó esta idea a su más claro ejemplo fue el de los surrealistas. Uno de los primeros ejemplos de este movimiento se encuentra en La estrella de mar de Man Ray (argumento de Desnos, obra claramente surrealista).
El surrealismo es una de las últimas grandes revoluciones artísticas y una de las pocas que propone investigar y buscar nuevas formas de lógica en la expresión artística (de ahí el cubismo de Picasso y el dadaísmo en la literatura). En el cine, se introdujo la lógica onírica (con relaciones de metáfora y metonimia) en contraposición a la lógica lineal y causal que caracteriza a la cultura occidental.
En esta corriente continúan otros como:
Jean Vigo con Cero en conducta
Jean Cocteau: La sangre del poeta
Salvador Dalí y Luis Buñuel: El perro Andaluz (1928)
Esta última película en particular causó furor en París, tanto positivo como negativo ya que pocas personas quedan indiferentes ante las imágenes choc de esta obra.
Abel Gance
Dentro de la corriente de impresionismo, merece lugar aparte y mención especial Abel Gance, quien buscaba u el desarrollo artístico del cine, pretendía añadir “más letras al “alfabeto de luz que es el cine” (sus propias palabras).
Siendo camarógrafo de profesión, durante la 1ra Guerra Mundial fue enviado al frente para fotografiar a los muertos, con fines de identificación ulterior. Al terminar la guerra, utilizó muchas de las imágenes que había filmado para crear su terrible “Yo acuso” (haciendo referencia aun anterior error histórico, el de acusar al teniente Dreyfus de ser traidor por el sólo hecho de ser judío, ocasión en la cual Emile Zola publicó, en toda una plana de una gran periódico, su Yo acuso a toda su patria).
Yo acuso es más bien una poesía en imágenes con las que se pretende denunciar la inutilidad, estupidez y horror de la guerra. A final, los muertos de la guerra salen de sus tumbas para formar las palabras “Yo acuso”. No debemos olvidar que la guerra acababa de terminar y los sentimientos aún estaban frescos, lo más terrible fue que, en varios casos, los parientes de un difunto se enteraban de la muerte al ver el film. Ya en 1918 la película conocía un éxito internacional resonante.
La rosa de la riel/ Rosa
Fue su siguiente y ambiciosa obra.
Dos partes: la primera, la sinfonía en “negro” (música con notas negras, hollín, carbón, nubes de la ciudad, oscuridad)
Norma, huérfana de padre y madre es adoptada y criada por un ferrocarrilero (Sisifo) junto a su hijo. Al crecer y madurar, Norma se da cuenta de que padre e hijo están enamorados de ella y decide alejarse casándose con un ingeniero. El ferrocarrilero sufre un accidente, queda ciego y es enviado a un sanatorio en las montañas, manda a llamar a Norma
Segunda parte: la sinfonía en “blanco” (música con notas blancas, montañas, luz, nieve, blanco) Norma llega a acompañar a su padre en sus últimos días hasta que muere.
Otra obra digna de mención es su famoso Napoleón (1923/27) donde continúa con la tarea de innovar, crear e imaginar. Se las ingenia para amarrar una cámara al pecho del camarógrafo para las escenas de combate a caballo, filma miles de metros para escoger lo mejor, se imagina un sistema de proyección en triple pantalla para ampliar la imagen.
Otros: René Clair con su:
París duerme (1923)
Entreacto (1924)
Un sombrero de paja de Italia (1927)
Karl Dreyer y su inolvidable
La pasión de Juana de Arco
Cine francés hasta la 1ª guerra mundial
El cine francés tuvo la ventaja de ser el primero, lo que le permitió desarrollarse como industria antes que a los otros.
Hasta 1915 su industria se había desarrollado de varias formas.
Las grandes casas de producción como la Gaumont y la Pathé habían descubierto el filón de oro que constituían las películas en serie
La Gaumont tenía la serie Fantomas (1910)- historia de un malhechor y la serie Judex (1917) – historia de un justiciero.
La Pathé tenía a Max Linder y adaptaciones literarias (aunque le bastaba con Max Linder).
Se habían logrado además, varios avances legales: se fundó la “Sociedad cinematográfica de autores y gente de letras” (SCAGL – vigente hasta hoy) que se ocupaba de proteger los intereses de las personas que trabajaban en el oficio de hacer cine y firmó un convenio con la “Sociedad de autores y compositores dramáticos” (que se ocupaba de la gente que trabajaba en el teatro).
Gaumont y Pathé habían ampliado sus imperios al decidir construir sus propias salas de proyección (con lo que dominaban todo el circuito industrial), las ciudades y los pueblos comprobaban su estatus al poseer o no, una sala Pathé y otra sala Gaumont.
Hasta 1914, la industria francesa experimentó un éxito sin precedentes sobre todo porque producía más que nadie (90% de la producción mundial).
Al margen de este cine “industrial” surgieron grupos deseosos de crear de otras formas, por lo que surgen grupos que ahora se llaman
La vanguardia y el impresionismo francés
Movimiento de vanguardia – el impresionismo
Productores independientes deciden construir (o adaptar) sus propias salas cinematográficas, para no depender de la buena voluntad de Pathé o Gaumont.
Ven así la luz del día el Studio Urselines, el Studio du Vieux Colombier, luego el Studio 28 (dos siguen funcionando, el Urselines y el 28), donde sepresentaban al público films experimentales y de investigación que el público general no aceptaría.
Los fundadores fueron Luis Delluc (1er crítico de cine francés) y Germaine Dulac (una de las primeras cineastas francesas). Su primera obra fue La fiesta española (1919), historia simple sobre 2 hombres que aman a la misma mujer. Su particularidad es la de ser la primera película que posee un guión técnico – escrito – en el cual se puede comprobar el giro que daban estas producciones, dándole mayor importancia al aspecto técnico de la imagen.
Estos creadores también recibieron fuertes influencias de algunas películas extranjeras, lo que vino a s añadido a sus conocimientos previos. (En los estudios se proyectaban también películas extranjeras que difícilmente tenían cabida en los circuitos existentes.) Por ello, reconocen haber aprendido de: Cecil B. De Mille. El western de Thomas H. Ince, de Robert Weine y su Gabinete del Dr. Caligari.
Las obras más representativas son:
De Germaine Dulac:
La sonriente madame Beudet, historia de una mujer dulce y sonriente con un marido horrible al que soñaba matar - uso de la cámara rápida, lenta, deformaciones para expresar la subjetividad, psicología de esta mujer dominada y reprimida. Primeros ensayos surrealistas.
Luis Delluc:
Fiebre (1921), historia que ocurre en un bar de Marsella, recuerdos de los marineros y las chicas del lugar. Para Delluc, sólo el cine puede mostrar la psicología de la gente y sólo el cine puede hacer resurgir el pasado en el presente.
Riccioto Canudo(fundador de CASA – Club de Amigos del Séptimo Arte) plantea la cuestión sobre la legitimidad o no de llamar arte al cine, con un artículo suyo se desata la polémica sobre si llamar o no arte al cine (es el inventor de la expresión “el séptimo arte” también creó una décima musa que lo regiría)
El surrealismo en el cine francés
La vanguardia sostenía que el cine = una sinfonía musical. El grupo que llevó esta idea a su más claro ejemplo fue el de los surrealistas. Uno de los primeros ejemplos de este movimiento se encuentra en La estrella de mar de Man Ray (argumento de Desnos, obra claramente surrealista).
El surrealismo es una de las últimas grandes revoluciones artísticas y una de las pocas que propone investigar y buscar nuevas formas de lógica en la expresión artística (de ahí el cubismo de Picasso y el dadaísmo en la literatura). En el cine, se introdujo la lógica onírica (con relaciones de metáfora y metonimia) en contraposición a la lógica lineal y causal que caracteriza a la cultura occidental.
En esta corriente continúan otros como:
Jean Vigo con Cero en conducta
Jean Cocteau: La sangre del poeta
Salvador Dalí y Luis Buñuel: El perro Andaluz (1928)
Esta última película en particular causó furor en París, tanto positivo como negativo ya que pocas personas quedan indiferentes ante las imágenes choc de esta obra.
Abel Gance
Dentro de la corriente de impresionismo, merece lugar aparte y mención especial Abel Gance, quien buscaba u el desarrollo artístico del cine, pretendía añadir “más letras al “alfabeto de luz que es el cine” (sus propias palabras).
Siendo camarógrafo de profesión, durante la 1ra Guerra Mundial fue enviado al frente para fotografiar a los muertos, con fines de identificación ulterior. Al terminar la guerra, utilizó muchas de las imágenes que había filmado para crear su terrible “Yo acuso” (haciendo referencia aun anterior error histórico, el de acusar al teniente Dreyfus de ser traidor por el sólo hecho de ser judío, ocasión en la cual Emile Zola publicó, en toda una plana de una gran periódico, su Yo acuso a toda su patria).
Yo acuso es más bien una poesía en imágenes con las que se pretende denunciar la inutilidad, estupidez y horror de la guerra. A final, los muertos de la guerra salen de sus tumbas para formar las palabras “Yo acuso”. No debemos olvidar que la guerra acababa de terminar y los sentimientos aún estaban frescos, lo más terrible fue que, en varios casos, los parientes de un difunto se enteraban de la muerte al ver el film. Ya en 1918 la película conocía un éxito internacional resonante.
La rosa de la riel/ Rosa
Fue su siguiente y ambiciosa obra.
Dos partes: la primera, la sinfonía en “negro” (música con notas negras, hollín, carbón, nubes de la ciudad, oscuridad)
Norma, huérfana de padre y madre es adoptada y criada por un ferrocarrilero (Sisifo) junto a su hijo. Al crecer y madurar, Norma se da cuenta de que padre e hijo están enamorados de ella y decide alejarse casándose con un ingeniero. El ferrocarrilero sufre un accidente, queda ciego y es enviado a un sanatorio en las montañas, manda a llamar a Norma
Segunda parte: la sinfonía en “blanco” (música con notas blancas, montañas, luz, nieve, blanco) Norma llega a acompañar a su padre en sus últimos días hasta que muere.
Otra obra digna de mención es su famoso Napoleón (1923/27) donde continúa con la tarea de innovar, crear e imaginar. Se las ingenia para amarrar una cámara al pecho del camarógrafo para las escenas de combate a caballo, filma miles de metros para escoger lo mejor, se imagina un sistema de proyección en triple pantalla para ampliar la imagen.
Otros: René Clair con su:
París duerme (1923)
Entreacto (1924)
Un sombrero de paja de Italia (1927)
Karl Dreyer y su inolvidable
La pasión de Juana de Arco
chanchulla gigante
La ilusión del movimiento
El cine, tiene tres antecesores que hacen posible su invención, estos son:
Proyección
Estroboscopía (y la persistencia de la visión)
Fotografía
a) Proyección: Desde la Edad Media se fueron desarrollando aparatos capaces de proyectar imágenes. Su función era entretener. El modelo más desarrollado era popular a fines del s XIX y se llamaba “linterna mágica”
b) El hombre posee visualmente, dos características que determinan cómo ve y aprecia las cosas, éstas son:
La estroboscopia: el hombre “fragmenta” la información que le llega al ojo en + o - 30 “pedazos” de información por segundo. El hombre, al tomar conciencia de este fenómeno lo puede aprovechar para simular movimientos. (cine i/seg, pero proyección 72 i/seg)
La persistencia de la visión: va de la mano de la estroboscopía ya que es la que nos permite “reconstituir” la información fragmentada al alargar la última información por fracciones de segundo hasta que llega la próxima.
La información sobre estos dos fenómenos, o su aprendizaje empírico permitió la aparición de los juegos ópticos:
- Taumatropio
- Fenaquitiscopio (Plateau)
- Zootropo (Horner)
- Praxinoscopio (Reynaud) – teatro óptico
La fotografía: El deseo de fijar imágenes sobre superficies es también un deseo que perdura desde siempre y el procedimiento fue logrado por 1ª vez por Niepce en 1826. Luego, Daguerre se le unió, el daguerrotipo se hizo popular (placas de metal, placas de vidrio). La dificultad mayor radicaba en los tiempos de exposición necesarios para obtener las fotos y el hecho de que se trababa de copias únicas.
El 1849 Talbot perfeccionó un sistema que permitía obtener copias de un negativo que se podía reutilizar.
Otro punto que tuvo que evolucionar fue el referente a la sensibilidad del material sobre el cual se fijaba la imagen. La evolución fue desde un material poco sensible y muy lento (hasta 8 horas de exposición) a la instantánea de objetos en movimiento (guardando todas las proporciones)
Al haber alcanzado este punto, se despierta el deseo de descomponer los movimientos que rodeaban al hombre = cronofotografía (estudio del movimiento)
Revólver fotográfico de Jansen (48 fotos/minuto)
(historia del caballo, Muybridge y Palo Alto)
Fusil fotográfico de Marey (12 fotos/segundo)
Todos estos factores convergen el 28 de diciembre de 1895 en la primera proyección pública de films, lo que constituye mundialmente la fecha de inicio del fenómeno cinematográfico.
Hubieron por supuesto, aportes inmediatamente anteriores que permitieron este invento. El aporte más conocido probablemente es el de Edison quien ideó las perforaciones laterales de la película, lo que permitía su arrastre fácil. (Estudio especial “Black Maria” para llevar a cabo sus experimentos) Su invento, el kinematógrafo, consistía en la visualización de películas cortas (y de calidad aún pobre) – no se da aún la proyección (elemento indispensable del cine).
En Francia, los hermanos Luis y Augusto Lumière inventan al cinematógrafo que se convierte en el modelo internacionalmente adoptado para filmar y proyectar ya que resuelven el problema del arrastre sistemático, que habría de servir tanto para la filmación como para la proyección. Su máquina filmaba 16 imágenes/segundo (dato ya comentado). Los hnos. Lumière patentaron su invento en febrero de 1895, lo presentaron por primera vez en un congreso de científicos en junio de 1895 (sin éxito) y finalmente, la primera proyección pública se hizo el 28 de diciembre de 1895, en el Salón Indio del Gran Café, en París (en realidad era un sótano que se alquilaba para diversos propósitos) ante 35 espectadores. Negociaciones difíciles, contrato a favor del dueño, éxito insospechado.
Otros aportes:
Inglaterra: William Freese-Greene, patentó en 1889 un aparato primitivo que permitía tomar vistas de muy mala calidad y en 1893 otro aparato capaz de proyectarlas.
Alemania: Max Skaladanowski presentó su Bioskop en el Wintergarten de Berlín, se parecía mucho al teatro óptico de Reynaud.
Polonia: Casinir Proszynski concebió un aparato muy próximo al de los hermanos Lumière pero poco práctico ya que las imágenes pasaban en grupos de 24 y en forma horizontal, no vertical.
Los pioneros Alice Guy - Georges Méliès
A menudo se dice que el primer director de cine, cono tal, fue Méliès, eso no es cierto, la primera directora de cine en el mundo fue una mujer y ésta se llamaba Alice Guy.
Alice Guy trabajaba como secretaria de Léon Gaumont, dueño de negocios de producción de materiales de fotografía. Al ver que Gaumont fue invitado a la 1ª proyección cinematográfica de los Lumière pero que no tenía la intención de ir, pidió permiso para aprovechar de la invitación. Ya en el cine, cayó bajo el hechizo de las imágenes en movimiento. Propuso a su jefe que le permitiese filmar “pequeñas historias” (¡de ahí su importancia!!) con el material de la empresa, cosa que se le permitió siempre y cuando fuese en su tiempo libre.
Entre sus obras están. “El hada de los repollos” (en Francia las guaguas vienen de los repollos, no las traen las cigüeñas de París): Una parejita se pasea en un campo de repollos, paf aparece el hada de los repollos y, sacando un bebé de un repollo se lo pasa al joven diciendo: “Seguro que quieren un bebé, para qué esperar, tomen éste”. El éxito inmenso de esta pequeña historia hizo comprender a Gaumont que podía sacar gran provecho de las inclinaciones de su secretaria quien fue autorizada a dedicar todo su tiempo a sus producciones. Alice Guy contrató a intérpretes profesionales para sus films, entre ellos, a Sarah Bernhardt (la más famosa de la época), Rose Caron y otros.
Entre sus obras más conocidas están:
Temas livianos: Concurso de bebés
Triste fin de un viejo sabio
El glotón asustado
El licor en el convento
Temas más serios (desde 1902): Esmeralda
Fausto y Mefisto
La misa de medianoche
La pasión de Cristo (gran éxito internacional)
Gracias a Guy, Gaumont se convirtió en una gran productor de cine quien habría de contratar a mucho directores para hacer films, en ese momento Alice Guy pasó a ser supervisora de producción, En 1907 Gaumont la envió a Berlín para dirigir la sucursal que acababa de abrir.
Al casarse Alice Guy (con Herbert Blaché), se fueron a vivir a Estados Unidos. Blaché dirigía la sucursal de Gaumont (La Solax Films) y Alice Guy dirigía películas en la compañía de Gaumont. Cuando en 1924 se produjo la poderosa fusión entre Goldwyn; Meyer y la Metro Pictures para convertirse en la Metro-Goldwyn-Meyer, la Solax Films desapareció y Alice Guy-Blaché se dedicó a la docencia universitaria.
Georges Méliès: creador del espectáculo cinematográfico:
Viejo conocedor de los juguetes ópticos por haber pasado su vida en los circos y las ferias, Méliès fue a ver el cinematógrafo de los Lumière por curiosidad, para ver de qué tanto hablaba la gente. El pensaba que se trataba de un teatro óptico refinado. Al ver las películas, se dio cuenta de que había llegado un nuevo momento en el entretenimiento y de las infinitas posibilidades que ofrecía ese aparato que podía fijar el movimiento. Se fue directo donde el padre de los Lumière y le pidió le vendiese un aparatito. El Sr. Lumière padre le aconsejó se olvidase del asunto pues, según él, después de un corto furor, pasaría la moda del cinematógrafo y él habría gastado su dinero en vano.
Méliès fue entonces al Gran Café unas cuantas veces más y, ya que sabía del oficio, procedió a construir una máquina igual.
Fue el primero en crear un estudio especialmente destinado a la producción de films y creó su compañía de films, la Star-Film.
Su genialidad radica en el hecho de que se dio cuenta que se podía filmar no sólo lo que se ve, sino lo que no se ve.
Su popularidad fue incrementando. Uno de sus más grandes éxitos es el clásico Viaje a la luna. El mito sostiene que dirigió más de 5000 films, pero en realidad deben ser 500, lo que pasa es que les ponía más de un nombre para venderlas varias veces en diferentes paquetes (que se vendían como hoy en día se venden los programas de televisión)
Técnicamente unos de sus grandes aportes fue el fundido encadenado.
Inventó el concepto de las Actualidades Falsas, donde reproducía hechos recientes en forma dramatizada - como noticieros semanales). Entre sus más célebres están la explosión de un volcán en Martinica, la explosión del acorazado “Maine” de Estados Unidos. Su mayor éxito fue “El matrimonio del rey Eduardo VII de Inglaterra” donde se consiguió actores idénticos así como una copia de los actos oficiales de protocolo, de tal manera que tuvo lista su “actualidad” al día siguiente del hecho. Fue tan comentada su película que llegó a oídos del rey quien quiso verla y dijo que era tan buena que hasta figuraban cosas que no habían ocurrido (protocolo cortó algunos detalles pues se había hecho tarde).
En 1907 Pathé lanzó su Noticiero (Pathé Journal) y las actualidades falsas acabaron.
También fue el primero en ver las posibilidades de utilizar el cine como medio publicitario, lo hacía proyectando películas suyas sobre muros en las calles e invitando a la gente a ir por su sala. Un comerciante de mostaza (como la llajua de Bolivia para los franceses) le pidió que le haga lo mismo para su producto. De ahí nació la primera publicidad (Mostaza Bornibus).
Méliès también estaba muy conciente de los daños y peligros de la piratería (muy corriente en esa época) por lo que propuso marcar las películas con un distintivo particular – desde ese entonces se tiene la famosa margarita de Gaumont y el gallo de Pathé.
En 1907 funda la 1ra Cámara Sindical de Cinematografía.
En 1908 organiza el 1er Congreso Internacional de Cine con la asistencia de los grandes de la época: Dulac, Gaumont, Joujon (Francia); Ambrosio (Italia); Hepworth, Urban, Paul (Inglaterra); Messter (Alemania); Olsen (Dinamarca); Eastman (EEUU).
Méliès va a desaparecer discretamente a consecuencia de la 1ra Guerra Mundial
1908: un año clave para el cine francés
En 1908 el cine sufrió su primera crisis pues la gente ya mostraba signos de hastío de ver historietas simples cuando no simples fotografías alargadas por la posibilidad de ver imágenes en movimiento. En ese momento ocurrieron tres hechos que marcan la historia y el rumbo de la cinematografía.
a) la Fundación del Film de Arte.
Lo primero que ocurrió ese año fue que los hermanos Lafitte (Paul y Pierre), banqueros respetados e intelectuales activos (gran influencia en el mundo de la edición), se aburrieron de la bajeza de la producción cinematográfica quien, según ellos, podía ser mejor. Decidieron ponerse manos a la obra y fundaron una fundación de Film de Arte, cosa harto osada para la época, cuando el cine se asociaba a todo salvo al arte. Construyeron su estudio, contrataron a los mejores artistas de la época para cada parte. Para el guión, al premio nacional Goncourt (el mayor premio literario francés) de ese año, para la música, al más famoso director de la Academia de Bellas Artes; para actuar, únicamente actores de la Comedia Francesa. El resultado, el film El asesinato del duque de Guisa, proyectado en una sala especialmente acondicionada para ello, tuvo el éxito que los hermanos Laffite deseaban.
Desgraciadamente el efecto secundario fue empujar al cine hacia el mundo de la literatura e incluso su confusión con él, cosa que no fue saludable para el cine ya que sus raíces aún no estaban firmes y podía confundir su vocación de imagen por la de las palabras.
La segunda razón de la importancia de este año está en el incomparable Max Linder de quien Charlie Chaplin dijera “Para Max, el único, el maestro”.
b) Max Linder, primera “estrella” (vedette- la palabra estrella viene mucho después) mundial, primer personaje prototipo (en este caso del cómico)
Max Linder joven aristócrata sin nada mejor que hacer se fue a París en junio de 1905 para “seguir” una carrera teatral. Jamás había ido al cine, entones cuando un amigo le propuso ganarse unos francos “haciendo cine” le preguntó qué era eso y su amigo le respondió que era fácil, que había que actuar delante de la cámara y eso era todo. Es así que es encontró en el estudio de Pathé, frente al director Ferdinand Zecca. Zecca, al venir de un estrato social completamente distinto al de Linder inmediatamente se dio cuenta de las infinitas posibilidades de hacer reír al público si el “señorito” hacía el ridículo. Le propuso a Max hacer una prueba y le pidió retroceder y tertoceder, aparentemente para enfocar mejor, pero lo hizo hasta que Max cayó a un gran charco de lodo que había detrás de él Así empezó su increíble carrera cinematográfica.
Ya en 1908,Charles Pathé le pidió a Max que hiciese un viaje por Europa para satisfacer los múltiples pedidos de sus admiradoras (es)(en esa época no se conocía la palabra fans), y Max se fue de gira a Madrid, Barcelona, Berlín, Viena, Varsovia y San Petersburgo.
Al regresar le anunció al Sr. Pathé que no se había dado cuenta de lo famoso que era e hizo dos demandas 1º ganar más y 2º dirigir sus propias películas. Le aceptaron todo. Así su fama creció. En todas las películas el personaje era el mismo, Max un joven rico y apuesto haciendo cosas cómicas y ridículas (Max profesor de el tango, Max cocinero por amor, Max aprende inglés, Max recepcionista de hotel, etc. etc.) Su triunfo era tal que en 1916 la industria americana lo tienta para llevárselo a EEUU (sobre todo para contrarrestar la enorme popularidad de Chaplin). Una vez en Hollywood, Max se da cuenta de que su humor era demasiado “europeo” para el público norteamericano. La suerte no lo acompaña. En 1922 Max regresa a Francia y comienza una comedia con Abel Gance. En 1923 se casó con una jovencita que conocía desde hacía años. En 1925 se suicida con su esposa.
c) El cine de animación de Cécile Cohl
Un joven artista llamado Emile Courtet, que firmaba con el nombre de Emile Cohl hacía dibujos humorísticos para la prensa. Gran amante del cine, iba a menudo a ver las últimas producciones. En 1908 vio, en una sala Gaumont una pequeña peliculita donde reconoció
uno de sus dibujos.
El cine, tiene tres antecesores que hacen posible su invención, estos son:
Proyección
Estroboscopía (y la persistencia de la visión)
Fotografía
a) Proyección: Desde la Edad Media se fueron desarrollando aparatos capaces de proyectar imágenes. Su función era entretener. El modelo más desarrollado era popular a fines del s XIX y se llamaba “linterna mágica”
b) El hombre posee visualmente, dos características que determinan cómo ve y aprecia las cosas, éstas son:
La estroboscopia: el hombre “fragmenta” la información que le llega al ojo en + o - 30 “pedazos” de información por segundo. El hombre, al tomar conciencia de este fenómeno lo puede aprovechar para simular movimientos. (cine i/seg, pero proyección 72 i/seg)
La persistencia de la visión: va de la mano de la estroboscopía ya que es la que nos permite “reconstituir” la información fragmentada al alargar la última información por fracciones de segundo hasta que llega la próxima.
La información sobre estos dos fenómenos, o su aprendizaje empírico permitió la aparición de los juegos ópticos:
- Taumatropio
- Fenaquitiscopio (Plateau)
- Zootropo (Horner)
- Praxinoscopio (Reynaud) – teatro óptico
La fotografía: El deseo de fijar imágenes sobre superficies es también un deseo que perdura desde siempre y el procedimiento fue logrado por 1ª vez por Niepce en 1826. Luego, Daguerre se le unió, el daguerrotipo se hizo popular (placas de metal, placas de vidrio). La dificultad mayor radicaba en los tiempos de exposición necesarios para obtener las fotos y el hecho de que se trababa de copias únicas.
El 1849 Talbot perfeccionó un sistema que permitía obtener copias de un negativo que se podía reutilizar.
Otro punto que tuvo que evolucionar fue el referente a la sensibilidad del material sobre el cual se fijaba la imagen. La evolución fue desde un material poco sensible y muy lento (hasta 8 horas de exposición) a la instantánea de objetos en movimiento (guardando todas las proporciones)
Al haber alcanzado este punto, se despierta el deseo de descomponer los movimientos que rodeaban al hombre = cronofotografía (estudio del movimiento)
Revólver fotográfico de Jansen (48 fotos/minuto)
(historia del caballo, Muybridge y Palo Alto)
Fusil fotográfico de Marey (12 fotos/segundo)
Todos estos factores convergen el 28 de diciembre de 1895 en la primera proyección pública de films, lo que constituye mundialmente la fecha de inicio del fenómeno cinematográfico.
Hubieron por supuesto, aportes inmediatamente anteriores que permitieron este invento. El aporte más conocido probablemente es el de Edison quien ideó las perforaciones laterales de la película, lo que permitía su arrastre fácil. (Estudio especial “Black Maria” para llevar a cabo sus experimentos) Su invento, el kinematógrafo, consistía en la visualización de películas cortas (y de calidad aún pobre) – no se da aún la proyección (elemento indispensable del cine).
En Francia, los hermanos Luis y Augusto Lumière inventan al cinematógrafo que se convierte en el modelo internacionalmente adoptado para filmar y proyectar ya que resuelven el problema del arrastre sistemático, que habría de servir tanto para la filmación como para la proyección. Su máquina filmaba 16 imágenes/segundo (dato ya comentado). Los hnos. Lumière patentaron su invento en febrero de 1895, lo presentaron por primera vez en un congreso de científicos en junio de 1895 (sin éxito) y finalmente, la primera proyección pública se hizo el 28 de diciembre de 1895, en el Salón Indio del Gran Café, en París (en realidad era un sótano que se alquilaba para diversos propósitos) ante 35 espectadores. Negociaciones difíciles, contrato a favor del dueño, éxito insospechado.
Otros aportes:
Inglaterra: William Freese-Greene, patentó en 1889 un aparato primitivo que permitía tomar vistas de muy mala calidad y en 1893 otro aparato capaz de proyectarlas.
Alemania: Max Skaladanowski presentó su Bioskop en el Wintergarten de Berlín, se parecía mucho al teatro óptico de Reynaud.
Polonia: Casinir Proszynski concebió un aparato muy próximo al de los hermanos Lumière pero poco práctico ya que las imágenes pasaban en grupos de 24 y en forma horizontal, no vertical.
Los pioneros Alice Guy - Georges Méliès
A menudo se dice que el primer director de cine, cono tal, fue Méliès, eso no es cierto, la primera directora de cine en el mundo fue una mujer y ésta se llamaba Alice Guy.
Alice Guy trabajaba como secretaria de Léon Gaumont, dueño de negocios de producción de materiales de fotografía. Al ver que Gaumont fue invitado a la 1ª proyección cinematográfica de los Lumière pero que no tenía la intención de ir, pidió permiso para aprovechar de la invitación. Ya en el cine, cayó bajo el hechizo de las imágenes en movimiento. Propuso a su jefe que le permitiese filmar “pequeñas historias” (¡de ahí su importancia!!) con el material de la empresa, cosa que se le permitió siempre y cuando fuese en su tiempo libre.
Entre sus obras están. “El hada de los repollos” (en Francia las guaguas vienen de los repollos, no las traen las cigüeñas de París): Una parejita se pasea en un campo de repollos, paf aparece el hada de los repollos y, sacando un bebé de un repollo se lo pasa al joven diciendo: “Seguro que quieren un bebé, para qué esperar, tomen éste”. El éxito inmenso de esta pequeña historia hizo comprender a Gaumont que podía sacar gran provecho de las inclinaciones de su secretaria quien fue autorizada a dedicar todo su tiempo a sus producciones. Alice Guy contrató a intérpretes profesionales para sus films, entre ellos, a Sarah Bernhardt (la más famosa de la época), Rose Caron y otros.
Entre sus obras más conocidas están:
Temas livianos: Concurso de bebés
Triste fin de un viejo sabio
El glotón asustado
El licor en el convento
Temas más serios (desde 1902): Esmeralda
Fausto y Mefisto
La misa de medianoche
La pasión de Cristo (gran éxito internacional)
Gracias a Guy, Gaumont se convirtió en una gran productor de cine quien habría de contratar a mucho directores para hacer films, en ese momento Alice Guy pasó a ser supervisora de producción, En 1907 Gaumont la envió a Berlín para dirigir la sucursal que acababa de abrir.
Al casarse Alice Guy (con Herbert Blaché), se fueron a vivir a Estados Unidos. Blaché dirigía la sucursal de Gaumont (La Solax Films) y Alice Guy dirigía películas en la compañía de Gaumont. Cuando en 1924 se produjo la poderosa fusión entre Goldwyn; Meyer y la Metro Pictures para convertirse en la Metro-Goldwyn-Meyer, la Solax Films desapareció y Alice Guy-Blaché se dedicó a la docencia universitaria.
Georges Méliès: creador del espectáculo cinematográfico:
Viejo conocedor de los juguetes ópticos por haber pasado su vida en los circos y las ferias, Méliès fue a ver el cinematógrafo de los Lumière por curiosidad, para ver de qué tanto hablaba la gente. El pensaba que se trataba de un teatro óptico refinado. Al ver las películas, se dio cuenta de que había llegado un nuevo momento en el entretenimiento y de las infinitas posibilidades que ofrecía ese aparato que podía fijar el movimiento. Se fue directo donde el padre de los Lumière y le pidió le vendiese un aparatito. El Sr. Lumière padre le aconsejó se olvidase del asunto pues, según él, después de un corto furor, pasaría la moda del cinematógrafo y él habría gastado su dinero en vano.
Méliès fue entonces al Gran Café unas cuantas veces más y, ya que sabía del oficio, procedió a construir una máquina igual.
Fue el primero en crear un estudio especialmente destinado a la producción de films y creó su compañía de films, la Star-Film.
Su genialidad radica en el hecho de que se dio cuenta que se podía filmar no sólo lo que se ve, sino lo que no se ve.
Su popularidad fue incrementando. Uno de sus más grandes éxitos es el clásico Viaje a la luna. El mito sostiene que dirigió más de 5000 films, pero en realidad deben ser 500, lo que pasa es que les ponía más de un nombre para venderlas varias veces en diferentes paquetes (que se vendían como hoy en día se venden los programas de televisión)
Técnicamente unos de sus grandes aportes fue el fundido encadenado.
Inventó el concepto de las Actualidades Falsas, donde reproducía hechos recientes en forma dramatizada - como noticieros semanales). Entre sus más célebres están la explosión de un volcán en Martinica, la explosión del acorazado “Maine” de Estados Unidos. Su mayor éxito fue “El matrimonio del rey Eduardo VII de Inglaterra” donde se consiguió actores idénticos así como una copia de los actos oficiales de protocolo, de tal manera que tuvo lista su “actualidad” al día siguiente del hecho. Fue tan comentada su película que llegó a oídos del rey quien quiso verla y dijo que era tan buena que hasta figuraban cosas que no habían ocurrido (protocolo cortó algunos detalles pues se había hecho tarde).
En 1907 Pathé lanzó su Noticiero (Pathé Journal) y las actualidades falsas acabaron.
También fue el primero en ver las posibilidades de utilizar el cine como medio publicitario, lo hacía proyectando películas suyas sobre muros en las calles e invitando a la gente a ir por su sala. Un comerciante de mostaza (como la llajua de Bolivia para los franceses) le pidió que le haga lo mismo para su producto. De ahí nació la primera publicidad (Mostaza Bornibus).
Méliès también estaba muy conciente de los daños y peligros de la piratería (muy corriente en esa época) por lo que propuso marcar las películas con un distintivo particular – desde ese entonces se tiene la famosa margarita de Gaumont y el gallo de Pathé.
En 1907 funda la 1ra Cámara Sindical de Cinematografía.
En 1908 organiza el 1er Congreso Internacional de Cine con la asistencia de los grandes de la época: Dulac, Gaumont, Joujon (Francia); Ambrosio (Italia); Hepworth, Urban, Paul (Inglaterra); Messter (Alemania); Olsen (Dinamarca); Eastman (EEUU).
Méliès va a desaparecer discretamente a consecuencia de la 1ra Guerra Mundial
1908: un año clave para el cine francés
En 1908 el cine sufrió su primera crisis pues la gente ya mostraba signos de hastío de ver historietas simples cuando no simples fotografías alargadas por la posibilidad de ver imágenes en movimiento. En ese momento ocurrieron tres hechos que marcan la historia y el rumbo de la cinematografía.
a) la Fundación del Film de Arte.
Lo primero que ocurrió ese año fue que los hermanos Lafitte (Paul y Pierre), banqueros respetados e intelectuales activos (gran influencia en el mundo de la edición), se aburrieron de la bajeza de la producción cinematográfica quien, según ellos, podía ser mejor. Decidieron ponerse manos a la obra y fundaron una fundación de Film de Arte, cosa harto osada para la época, cuando el cine se asociaba a todo salvo al arte. Construyeron su estudio, contrataron a los mejores artistas de la época para cada parte. Para el guión, al premio nacional Goncourt (el mayor premio literario francés) de ese año, para la música, al más famoso director de la Academia de Bellas Artes; para actuar, únicamente actores de la Comedia Francesa. El resultado, el film El asesinato del duque de Guisa, proyectado en una sala especialmente acondicionada para ello, tuvo el éxito que los hermanos Laffite deseaban.
Desgraciadamente el efecto secundario fue empujar al cine hacia el mundo de la literatura e incluso su confusión con él, cosa que no fue saludable para el cine ya que sus raíces aún no estaban firmes y podía confundir su vocación de imagen por la de las palabras.
La segunda razón de la importancia de este año está en el incomparable Max Linder de quien Charlie Chaplin dijera “Para Max, el único, el maestro”.
b) Max Linder, primera “estrella” (vedette- la palabra estrella viene mucho después) mundial, primer personaje prototipo (en este caso del cómico)
Max Linder joven aristócrata sin nada mejor que hacer se fue a París en junio de 1905 para “seguir” una carrera teatral. Jamás había ido al cine, entones cuando un amigo le propuso ganarse unos francos “haciendo cine” le preguntó qué era eso y su amigo le respondió que era fácil, que había que actuar delante de la cámara y eso era todo. Es así que es encontró en el estudio de Pathé, frente al director Ferdinand Zecca. Zecca, al venir de un estrato social completamente distinto al de Linder inmediatamente se dio cuenta de las infinitas posibilidades de hacer reír al público si el “señorito” hacía el ridículo. Le propuso a Max hacer una prueba y le pidió retroceder y tertoceder, aparentemente para enfocar mejor, pero lo hizo hasta que Max cayó a un gran charco de lodo que había detrás de él Así empezó su increíble carrera cinematográfica.
Ya en 1908,Charles Pathé le pidió a Max que hiciese un viaje por Europa para satisfacer los múltiples pedidos de sus admiradoras (es)(en esa época no se conocía la palabra fans), y Max se fue de gira a Madrid, Barcelona, Berlín, Viena, Varsovia y San Petersburgo.
Al regresar le anunció al Sr. Pathé que no se había dado cuenta de lo famoso que era e hizo dos demandas 1º ganar más y 2º dirigir sus propias películas. Le aceptaron todo. Así su fama creció. En todas las películas el personaje era el mismo, Max un joven rico y apuesto haciendo cosas cómicas y ridículas (Max profesor de el tango, Max cocinero por amor, Max aprende inglés, Max recepcionista de hotel, etc. etc.) Su triunfo era tal que en 1916 la industria americana lo tienta para llevárselo a EEUU (sobre todo para contrarrestar la enorme popularidad de Chaplin). Una vez en Hollywood, Max se da cuenta de que su humor era demasiado “europeo” para el público norteamericano. La suerte no lo acompaña. En 1922 Max regresa a Francia y comienza una comedia con Abel Gance. En 1923 se casó con una jovencita que conocía desde hacía años. En 1925 se suicida con su esposa.
c) El cine de animación de Cécile Cohl
Un joven artista llamado Emile Courtet, que firmaba con el nombre de Emile Cohl hacía dibujos humorísticos para la prensa. Gran amante del cine, iba a menudo a ver las últimas producciones. En 1908 vio, en una sala Gaumont una pequeña peliculita donde reconoció
uno de sus dibujos.
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